Nästan lika bra som Rocky IV
Meryl Streep, Jeff Bridges, Katie Holmes, Alexander Skarsgård, Brenton Thwaites, Taylor Swift och Emma Tremblay i rollistan. Det enda det betyder för mig (med facit i hand) är att inte ens sju intressanta namn kan göra en bra film om inte manuset håller.
Det här flummiga science-fiction-pretto-dravlet är verkligen totalt ointressant. Eller som Filmitch-Johan skulle ha uttryckt det:
”Man kan krydda skit med basilika och oregano men det spelar ingen roll, det är fortfarande skit”.
Det här var en alldeles för intressant idé för att inte realisera.
Jag har en trogen bloggläsare vid namn Helena som är i det närmaste besatt av Joaquin Phoenix, sådär som man kan bli ibland av en skådespelare, ja, i alla fall jag. Och Helena.
När jag såg att hans nyaste film You were never really here skulle visas på Stockholm Filmdagar tänkte jag att det vore extremt spännande att skriva en KOMBORECENSION av denna film med just Helena. Sagt och gjort. Jag droppade idén och Helena var på! Vi besökte filmdagarna, det tittades på film, dregglades en del över Joaquin och sen började tangenterna knappra febrilt.
Här kommer resultaten och jag låter min gästbloggare börja.
.
.
You were never really here – eller när Joaquin Phoenix blev min ledstjärna
av Helena B.
Visst, redan när jag såg Gladiator 2000 var det nåt extra med grabben som spela Commodus, filmen liksom dog lite när han dog. Fick påminna mej att man skulle heja på Maximus. Men det var 2010, liggandes sjuk och under längre tid i min soffa, som jag av en slump (youtube..man ska ”bara kolla nåt snabbt”) såg ett klipp med JP där han reser i Sydamerika till nån avlägsen stam och han var så ödmjuk och rolig. Jag började söka på honom och tydligen har denne fine kille slutat skådespela för han ska minsann sjunga rap…
Nåja. Så var det lyckligtvis inte. 2011 kom, efter ”mockumentären” I´m Still Here (där han alltså lurade en hel mediavärld och en hel del fler att han knarkat ned sig o börjat sjunga, dåligt dessutom) , The Master och allt var som det skulle igen. Vid det laget var jag svårt besatt. Jag läste varenda artikel någonsin skriven om honom, visste allt om hans bakgrund, syskon, hans stora flygrädsla, filmer, regissörer till filmerna, flickvänner, vänner, odödliga presskonferenser där han helt sonika knallar iväg…eller bestämmer sig för att inte säga ett ljud. Hans enorma medkänsla och engagemang för djur och att han därför är vegan. Och fortfarande ler jag stort när jag tänker på honom när han i Cannes mottar pris för bästa skådespelare för Y.W.N.R.H och har fel skor. För han inte trodde han skulle vinna. Och måste berätta om det för alla. Och sen glömmer sitt pris när han går. Och, hans skådespeleri, som är av guds nåde (vilket han skulle vara den förste att bestrida).
However, denna besatthet ledde mej till kraftigt förbättrad skriven engelska (det finns forum för galningar som mej), initierad kunskap om hela filmbranschen, allt från kameramän, regissörer till ljussättning. Jag lärde mej om veganism och satte in mig bättre i frågor om djurhållning. Ingen kunskap är någonsin bortkastad. Och på köpet blev jag frisk. Fick livsgnistan tillbaka. Och besattheten övergick till beundran över en skicklig skådespelare och ett bredare intresse för film och allt därtill relaterat.
Att be mig skriva en opartisk recension av en film med Joaquin är ..som.. att be Fiffi skriva neutralt om Stallone. Därför vill jag börja med Lynne Ramsay som står för både manus och regi. Redan i Vi måste tala om Kevin (2011) visar hon prov på intuitiv, säregen bildkonst genom sina tagningar där man bara ser delar av huvudpersonen under lång tid, innan vi får se ögon och hela personen. Det återkommer här, redan i öppningsscenen med Joe, dröjer det innan vi får se Joaquin helt och hållet. Till den nästan drömlika stämning som skapas mitt i brutaliteten, bidrar Jonny Greenwood från Radiohead (bl a The Master och nu aktuell med musik till Phantom Thread) intensiva hamrande (no pun intended) soundtrack. Scenerna mellan Joe och hans mamma stannar länge kvar, ömhet parat med irritation och sorg – så fint skildrat utan överspel och Judith Roberts spelar den lätt virriga modern med värdighet.
Men… det är ju omöjligt att nämna denna film, att ens föreställa sig den utan Joaquin Phoenix som Joe. För precis som han en gång gjorde med Commodus, skapar han en komplex karaktär kapabel till skoningslös grymhet och stor ömsinthet. Han har en förmåga att låta sårbarheten lysa igenom utan att bli geggigt övertydlig. Jag älskade filmen från första rutan, inte bara p g a Joaquin. Det är en film med många bottnar utan att ge enkla svar på svåra frågor eller ens vilja ge oss svaren. Jag tycker särskilt mycket om att den unga flickan i filmen, spelad av Ekaterina Samsonow, till slut räddar sig själv istället för ett traditonellt ”manräddarflickainöd–slut” och därmed även på sätt och vis läker något inom Joe. Filmen är med dagens mått inte särskilt lång och Lynne har sagt att det är för att hon ”Inte vill tråka ut er”. Lynne Ramsay, här är en som definitivt inte blev uttråkad. Ni som inte sett den, gör det.
ps: 2018 blir Joaquins år. Bara så ni vet. Grabben kommer förutom hitman, spela allt från Jesus himself till totalförlamad tecknare samt westernkille. Så nu vill jag se honom motta minst en Oscarstatyett.
So Joaquin – bring the hammer, wear the right shoes and never ever be merciful!
.
.
Slå mig hårt i ansiktet med ett dragspel, jag vill känna att jag lever
av Fiffi L.
Jag tänker börja min text med att citera min recensentkollega Samuel Mesterton som twittrade detta strax efter att ha sett dagens film: ”Började se mig om efter en hammare lik den Phoenix använder att slå mig själv i huvudet med. Tillbringar hellre två timmar i Stockholms tunnelbana i janauri än utsätter mig för Ramsays arthouse-kalkon igen.”
Jag läste Sams tweet och började skratta. Högt. Jag skrattade på det där slå-sig-på-knäna-sättet som aldrig händer om man är en frisk person. Vem fan slår sig egentligen på knäna när man skrattar?
Detta tweet slog mig i vilket fall i huvudet som vore det en Stanley Fatmax Antivibe-hammare. Så. På. Pricken. Jag satt nämligen i biosalongen och försökte klura ut sånt som jag hellre hade gjort än att lida mig igenom detta gudsförgätna dravel. En vinterkräksjuka till exempel. Ensam hemma. Liggandes i sängen. Utan vare sig hink eller toapapper till hands. Med fötter som blivit utsatta för Misery-Kathy Bates kärlek. Så pass långt kom jag i mina tankar. Jag hade i alla fall känt mig mer levande då än jag gjorde i sällskap av denna trötta, psykiskt sjuka, traumatiserade, aggressiva stackars missanpassade skithål till människa som är Joe (Phoenix).
Ännu en gång gör Lynne Ramsay en film om en trasig manlig person och hans komplicerade relation till sin mamma (Judith Roberts). Det var bara det att i Vi måste prata om Kevin så kom rollfigurerna ända in i mig och spelade på mina känslor och nerver som om jag vore nån slags jätteharpa. Mamma-son-relationen spelar dock andrafiol i den här filmen och egentligen tycker jag det är synd för den är intressant men filmen fokuserar mer på Joe som praktiker. Han slåss nämligen. Han saknar spärrar och han spöar folk. Slår ihjäl dom med hammare. Dödar folk för pengar helt skrupelfritt. En seriemördare skulle man kunna säga. Dödar kvinnor som inte gjort honom ett skit. Idiotjävel.
Hur FAAAAN ska man kunna känna nåt annat än LEDA när man tvingas titta på detta avskrap till människa? Man får inte ens se morden på grafiskt snygga sätt utan här zoomas det in nåt vattnigt och utav skräck uppspärrat flicköga, en kort flash på en container, man ska liksom förstååååååååå vad som händer utan att få se något. Lägg därtill svinjobbig svårmodig plinketiplonkmusik i kombination med Jonny Greenwoods sköna elektroniska toner och jag får fan allergiska reaktioner av allt det bajsnödiga.
Ja, jag skrev det där ordet igen. Bajsnödig. Det ordet som stör så många. Det som får en del att tro att jag njuter av att håna och sparka på det pretentiösa, att jag saknar förmåga att analysera, att jag är okulturell, lågintelligent och spelar banjo.
Nej. NEJ. Det är SÅ fel. Jag spelar inte banjo. Jag är bara obeskrivligt trött på svårmodiga konstfilmer, jag har noll procent tålamod för gnisslande stråkar och jag må överanvända ord med prefixet bajs MEN när kulturtanten i mig vill slå mig hårt i ansiktet med dragspel för att hålla mig vaken då ÄR det nåt med filmen som skaver.
En arthouse-kalkon. Precis Sam, så är det. En arthouse-kalkon med en fenomenal Joaquin Phoenix i skägg och hoodie i huvudrollen. Han är en klass-skådespelare, Joaquin. Det är omöjligt för mig att inte tycka om honom. Som skådespelare alltså. Inte som Joe. Och inte filmen som helhet.
Filmen:
Joaquin:
Jojjenito såg också filmen på Stockholm Filmdagar och här är hans recension av densamma.
Ett litet anspråkslöst klick på Netflix och så sitter man framför den danska filmen med den hemska titeln Sover Dolly på ryggen?och undrar vad tusan som händer. 1930-talet ringde och ville ha tillbaka sin kvinnosyn och 1950 ringde och ville ha tillbaka sin mansdito. Herrejävlar så omodernt detta är även om det är inlindat i något så pass nytt som rätten att som kvinna skaffa barn alldeles på egen hand med hjälp av en spermadonator.
Anne (Lene Maria Christensen) längtar efter barn och löser problemet. Hon blir gravid men får panik eftersom hon är ett ”kontrollfreak” och plötsligt (ja, plötsligt!) kommer på att hon ju inte vet vem pappan är! Herregud, nu är det en tokrolig fars på gång när hon (med hjälp av en väninna) ska hacka donationscentrets receptionsdator för att ta reda på adressen till pappan. SOM OM DET FUNKAR SÅ??
Jaja. Anne får i alla fall reda på adressen och bestämmer sig för att uppsöka mannen. Det visar sig att det bor en riktig low-life-sucker-galenpanna-idiot-världelös-skithögs-sköldpaddsägande-dolly-parton-fan-som-aldrig-borstar-varken-håret-eller-tänderna där vid namn Gordon Dennis (Nikolaj Lie Kaas). Anne å andra sidan är en framgångsrik TV-personlighet som har ordning och reda på både boendet och ekonomin och längre bort på skalan från henne än Gordon går fanimej inte att vara.
Men Anne biter ihop. Hon vill ta sig in i hans liv, lära känna honom, äta middag med honom, ligga med honom och hela tiden tänker jag att VARFÖRDÅÅÅÅÅ??? HAN ÄR BARA ÄCKLIG. BARA BARA ÄCKLIG. Men Anne lyssnar inte. Hon kör på ända tills hon blir överbevisad. Och börjar dejta den perfekta grannen som verkligen är perfekt på alla sätt men så perfekt att han blir tråkig och då märker hon att hon saknar troll-Gordon och gör slut med grannen, föder barn, letar upp Gordon igen, visar dom stinna nybliven-mamma-brösten på offentlig plats och då faller Gordon som en fura såklart. Killar gillar bröst det vet ju alla höhöhö.
Fy fan vilket jävla skräp! Manuset är skrivet av Christian Torpe och Marie Østerbye och dom båda verkar ha fortsatt arbeta inom detta skrå även efter den här filmen. Det går inte ens att skylla slutresultatet på en manlig regissör med sunkig kvinnosyn. Regissören heter nämligen Hella Joof och är mig veterligen kvinna.
Filmen finns att se för den masochistiskt lagda på Netflix.
Jag läste en sån himla rolig mening om den här filmen på IMDb:
”Graphic, low-budget gore-shocker about Rob and Betty, a couple of ordinary necrophiles who apparently don’t mind if their dead sexual partners are not so fresh”
Ordinära nekrofiler alltså? Wow. Finns det såna? Visste inte det. Att filmen Nekromantik fanns visste jag dock även om det är oklart varför. Kanske för att det på vissa ställen står 1988 som produktionsår? Hur som helst, jag går alltid efter IMDb och där står det 1987.
Regissören Jörg Buttgereit var bara 24 år när han gjorde Nekromantik och jag skulle tro att det finns få filmskapare med en mer…udda…filmografi än han. Han blandar kortfilmer med titlar som ”Ogar – der Häßliche”, ”Der explodierende Turnschuh”, ”Sexmonster!” och ”Blutige Exzesse im Führerbunker” med långfilmer som ”Schramm”, ”Der Todesking” och ”Green Frankenstein” och dokumentärfilmer som ”Der Mann der Godzilla fliegen ließ !”, ”Monsterland”, ”Corpse Fucking Art” och ”Mechagodzilla in Chicago!” (samt den sista delen i antologifilmen ”German Angst”). Han känns obehagligt men samtidigt konsekvent i sitt skapande, det kan man inte ta ifrån honom.
Buttergereit tyckte alltså att det var en bra idé att göra den här filmen baserad på manuset han skrivit tillsammans med Franz Rodenkirchen. När jag ser filmen kan jag både förstå den tanken och inte. Att göra filmer som enbart är till för att provocera finns det många av och jag undrar om inte Nekromantik är just precis en sådan.
Att se paret Robert och Betty dra igång en trekant med ett uppgrävt lik, att se Robert massera och suga på ett dött öga, att se Betty gränsla ett kondomförsett järnrör nedtryckt i den del av kroppen där den döde mannen en gång i tiden (förhoppningsvis) haft något som ibland var hårt men ändå betydligt rundare i kanterna än en metallbit, alltså, trots detta kan jag faktiskt inte säga att jag blir vare sig äcklad eller provocerad. Jag blir mest….förundrad. Vad är det som rör sig i vissa människors skallar egentligen?
Dom närgångna bilderna på döda människor, på kroppsdelar i glasburkar (Robert samlar på såna. Klart han gör. Han är hundra procent frisk. Not), en död katt som ligger på en tvättställning ovanför badkaret får agera….lotion….när Robert (IGEN!) skär sönder den och smörjer in sig med blod och inälvor (Betty gillar också att bada i blod, det är inte bara en ”man thing” det här). Allt det där är på nåt sätt en fullt naturlig del av filmen (haha) MEN det finns EN scen som inte är det och den gillar jag verkligen inte. Det är när man får se Robert döda en kanin på riktigt. En lång scen, dödsryckningar, uppskuren hals, blod och sedan dras huden/pälsen (vad heter det på kaniner?) av från den lille kroppen. Stackars kanin som fick ge sitt liv åt en sån här skitfilm. Om man ändå ska dö framför en filmkamera skulle man nog vilja välja en lite bättre film tror jag, även om man vore kanin.
Nekromantik har på nåt sätt lyckats nå kultstatus och visst, det finns ju knasbollar som gillar att titta på sånt här. Om jag ska generalisera så är det oftast personer som per automatik tycker aggressivt illa om ”svensk film”. Det gör inte jag. Men jag kände mig definitivt som en knasboll under den här filmens 75 minuter.
Jahopp. Dä va dä. Nu går vi vidare, en ny skräckis nästa vecka. Här är filmerna jag hittills skrivit om i temat.
Inte sedan Tommy Wiseaus uppsyn i The Room har en skådespelare och en film gett mig samma klåda innanför huden. Här heter rollfiguren Jeb och skådespelaren Trevor Peterson. Jag avskyr den jäveln och jag avskyr varenda bildruta i den här förbannade filmen.
Uselt manus, värdelös regi, hemsk ljussättning, ful scenografi, allt, alltså ALLT gör mig sjukt irriterad. VARFÖR I HELA HELVETE HYRDE JAG DENNA FILM PÅ ITUNES? 49 SPÄNN! 49!!!! Maken till ovärd utgift alltså. Jag hoppas att jag slipper se Trevor Petersons skådespelande fejs så länge jag lever. Han är creepy på ett dåligt sätt. Han ser inte frisk ut. Han utstrålar obehandlad urinvägsinfektion, rödkål och silverfiskar i kalsongerna. Och filmen är så dålig så dålig så dålig att jag får ont i lederna.
Hoppas på bättre tur nästa söndag.
Ett bankrån som går åt pipsvängen, det har man väl sett tusen gånger på film förr? The Vault är precis en sån film MEN med en liten twist och med tanke på filmens titel behöver man inte vara Einstein för att förstå var denna twist befinner sig.
Att tjonga in James Franco i en liten roll hjälper kanske en del vid första anblicken men för övrigt gör denna film inte någon glad. Att Francesca Eastwood (ja, Clintans dotter) har ett öga på varje tinning är kanske filmens största begivenhet.
Äsch, nej, usch vilken skit. Kanske blir jag extra gnällig när en film som läggs under genren ”Skräckfilm” inte är det minsta läbbig, kanske gnäller jag bara för att filmen förtjänar det? Kolla själv om du blir nyfiken. Filmen finns på Netflix. Men säg inte att jag inte varnade dig.
Sicken KLOCKREN skräckfilmsposter! Wow alltså! Nån magisk byggnad, otäcka tänder och asiatiska barn. Kombon är perfekt. Att filmen dessutom finns lättillgänglig på Netflix gör inte saken sämre. Bara att klicka på play, kura in sig i soffan och njuta.
Ja….nu blev kanske njutningsdelen av filmupplevelsen rätt torftig eftersom i princip INGENTING händer under filmens första sextiotvå minuter. Betänk då att filmen är sjuttioåtta minuter, inklusive eftertexter. För att göra en jämförelse, Temple är som en Skogaholmsproducerad gummilimpa för 19 spänn som packats om och lagts i exklusiv papperspåse på Gateau och säljs som hemmakavlad surdegslevain för 99 kr limpan. Nån jävel går alltid på det och den här gången var det jag.
JAG VILLE JU SE MER OCH FLER JAPANSKA SMÅPOJKAR MED MASSA VASSA TÄNDER! Fan, luften gick ur mig nu, det här var verkligen verkligen dötrist.
På´t igen nästa söndag med en ny skräckfilm. Eller en gammal. Jag kan lova att den är sjuuuukt mycket mer intressant i alla fall. Här kan du läsa om filmerna jag skrivit om hittills i år.
Det här är en film som självklart aldrig hade blivit gjord om inte Hundraåringen som klev ut genom fönstret och försvann hade blivit en sån formidabel succé. Men som så många gånger förut är ett framkrystat uppföljarmanus inte den bästa huvudkudden för ännu en framgång Jag hoppas att sagan om Robert Gustafsson i gammelgubbemaskering är slut nu och jag hoppas det för samtliga inblandades skull.
Jaaaa……visst, jag är cynisk nog för att förstå att vissa personers bankkonton har mått jättebra av den här filmen men räcker det? Är det anledning nog?
Filmen finns att se på C More. Som tur är finns det MASSOR med andra filmer att se där – också! Klicka här för en gratismånad om du inte redan använder dig av tjänsten. Fler filmer jag skrivit om som finns på C More kan du hitta här.
Jag blir så brutalt uttråkad av filmer av detta slag. Det känns som vi gått igenom decennium efter decennium av filmer om gubbs, med gubbs, av gubbs, där män orerar, män sexualiserar, män regerar, män klappar sig för bröstet, män håller varandra om ryggen, män gör vad dom vill, män super, män gubbar sig, men bevisar sin potens, män gottar sig, män goffar sig, män förhäver sig, män förhöjer sig själva, män förminskar andra och framförallt, när en över två timmar lång film i princip BARA handlar om dessa män (ett rejält antal dessutom) då blir jag riktigt blasé.
Kvinnorollerna är horan, den galna wannaben, den lesbiska och den söta systerdottern som förväntas ligga med den unga tajta killen men hamnar istället i säng med den gamla tjocka håriga bara den unga tajta tittar bort ett par sekunder. Kåta kvinnor har ingen urskiljningsförmåga. Dom tar allt dom får, hej hopp bara. Så är dom. Kvinnsen.
Richard Curtis har skrivit och regisserat denna film om ett gäng manliga discjockeys och radiopratare som sänder piratradio från en båt ute på Nordsjön nånstans i slutet på 60-talet/början på 70? Det här är alltså mannen bakom Love Actually och Notting Hill. Han skojar man inte bort i en handvändning, i alla fall inte INNAN denna film är sedd. Och nu är den det så nu lägger jag Richard Curtis i en liten hatt, viftar med en blyertspenna och vips har jag skaffat mig en dvärgkanin.
Skådespelare som Bill Nighy, Nick Frost, Rhys Ifans, Kenneth Branagh, Tom Sturridge, Rhys Darby, Chris O´Dowd och Tom Brooke gör inte någon glad här, JAGMENARHERREGUD INTE ENS PHILIP SEYMOUR HOFFMAN KAN FÅ FASON PÅ DEN HÄR SKUTAN även om han inte gör mig besviken skådspelarmässigt. Filmen är bara så ruggigt mossig att jag har svårt att se den för ”vad den är”. För vad är den? Den är….absolut ingenting i mina ögon, inte mer än ett steg närmare slutet på mina PSH-filmer.
Uäääääh.
Den första gången vi fick se Chucky på film var 1988, detta fantastiska filmår. Den onda dockan hette filmen på svenska och den var inte så pjåkig. 1990 kom uppföljaren, 1991 den tredje filmen och sju år senare – 1998 – kom Bride of Chucky. 2004 tog sig filmserien vidare med Seed of Chucky och sen tog det hela nio år innan Curse of Chucky fick se dagens ljus. Det är bara fyra år sedan och nu är det alltså dags igen med Cult of Chucky.
Behöver verkligen världen fler filmer om den otäcka dockan Chucky? Skulle inte tro det va. Personligen tröttnade jag redan efter andra filmen och med facit i hand nu när jag sett den SJUNDE filmen är att maken till urvattnad franschiseserie har jag sällan skådat.
Manusförfattaren och regissören Don Mancini är idog i alla fall, något annat man kan inte säga. Han skapade Chucky-världen och har befunnit sig i den sen ´88. Snubben har enligt IMDb knappt gjort nåt annat. Stackarn.
Tusen tack Universal för recensions-exet. Hade jag sett Cult of Chucky i sämre kvalitet än blu-ray hade betyget kanske blivit ännu sämre. Blink blink.
När jag såg trailern till Korparna trodde jag att det var en film som utspelade sig under samma tidsperiod som Utvandrarna. Det visade sig vara väldans fel. Korparna handlar om en bonde, hans familj och vedermödor och när filmen börjar är det 1978. 1978!
Exakt var i Sverige den där anskrämliga bondgården är belägen förtäljer inte historien men det pratas rejäl ståkkhålmska trots att den unga flickan ”från Stockholm” som kommer till byn på besök verkar vara lika udda som en längdskidåkare i Kenya.
Bonden och familjefadern Agne (Reine Brynolfson) kämpar på med sitt arrende och har inte mycket annat för ögonen än att försöka flytta en sten, sörpla i sig vattnig potatis, fläsk och sås och bete sig som en douche mot sina två söner. Den äldste sonen Klas (Jacob Nordström) har inga planer på att vara fadern till lags men han vet att det som tas för givet är att han tar över gården. Frun Gärd (Maria Heiskanen) är den enda som utstrålar det minsta värme men det är inte yppigt passionerat quinnligt mys vi pratar om här, nej det är en karg värme, en sådan som är slutprodukten då en människa aldrig får något varken gott, snällt eller fysiskt tillbaka i ett förhållande.
Korparna är en film som i min värld helt saknar existensberättigande. Jag förstår inte värdet i att ge en film som denna ekonomiskt stöd på något plan då den inte har något nytt eller väsentligt över huvud taget att berätta. Korparna är en film som ger svensk-film-belackarna vatten på sin kvarn då den här filmen är PRECIS som många TROR att ”svensk film är”. Men nej, svensk film är inte alls som Korparna, Korparna är som Apflickorna, Det är filmer som med ett kreativt foto lockar filmtittare som uppskattar konstnärlig film för ja, Korparna är mycket mer av en bildmässig installation än en fungerande film, i alla fall för mig.
Jens Assur är en fantastisk fotograf men steget från att vara det till att bli filmregissör är ganska långt. Det krävs en engagerande berättelse, det krävs personregi och av detta ser jag ingenting i Korparna. Jag ser dock perfekt uppställda traktorer i motljus, vackra isiga fåglar, grusvägar som placeras perfekt vertikalt längst till vänster i bild och en konkav son med kamera som smyger omkring bland strån på en äng.
Det här är inte bra. Det här är verkligen inte en bra film. Det Korparna dock har är kanske den pinsammaste sexscenen svensk filmindustri någonsin skådat – och DET vill inte säga lite. Den tog aldrig slut. Och den gnisslade tamejfan så torftigt och kliniskt var den. Hade man varit en fluga på väggen hade man känt en svag doft av potatisskal, frustration och ammoniak i rummet.
Personligen är jag även så urbota less på filmer med en ofungerande far i centrum att skulle kunna fräsa. Räcker det inte snart? Hur många såna här filmer ska man behöva tugga sig igenom innan man får se en man som faktiskt rannsakar sig själv, analyserar sitt beteende, förändrar sig själv och sin livssituation och beter sig SOM FOLK? Filmens Agne är som Orup skulle ha uttryckt det, ”en spillra av en man”, men han är en man som det är omöjligt att känna medlidande eller förståelse för. Att han ens kunnat bli gift, det är fan en gåta!
Jag visste inte detta innan jag såg filmen men Korparna är baserad på en roman med samma namn skriven av Tomas Bannerhed och som fick motta Augustpriset 2011. Jag kan tänka mig att boken är en betydligt mer angenämare läsning än filmen var att beskåda. Och jag kan inte göra annat än hålla med min filmspanarkompis Jojje som efter visningen kläckte idén om att filmen Korparna istället skulle ha blivit en perfekt coffeetablebook. DÄR hade du kunnat göra riktig nytta Jens Assur.
I veckans avsnitt av Snacka om film snackar jag lite mer om den här filmen och jag såg den på Malmö Filmdagar tillsammans med filmspanar-Jojjenito. Här är hans tankar om filmen.
På förra årets konferens tog jag med mitt färgbutiksgäng till ett ställe i Stockholm som heter Roomescape. Ett perfekt sätt att utveckla samarbetsförmåga och laganda tänkte jag och bokade rummen Bunkern och Zombie Lab. Min förhoppning om aktiviteten stämde, det VAR ett bra sätt att fördjupa teamwork på. Det var också jättesvårt, spännande och extremt stressande. Och läbbigt. Jag som var i zombielaboratoriet tyckte verkligen det. Riktigt verklighetstroget med skärmar där man såg zombies som försökte ta sig in och vi hade en timme på oss att tänka ut VAD vi letade efter, varför och hur. Det enda vi visste var att OM vi lyckades skulle zombisarna inte kunna ta sig in i rummet.
I den här filmen är det entreprenören Brice (Skeet Ulrich) som äger ett Escape Room-ställe och som i sin iver att ”pimpa” ett av rummen kommer över en trälåda i en second hand-butik. Nu är det inte vilken låda som helst, det är en demooooooooon i lådan och om detta är affärsinnehaverskan (WTF! Sean Young!) väl medveten. Hon tror så stenhårt på detta att lådan inte är till salut. Brice skiter dock i vilket och snor lådan (okej, han lämnar en liten bunt pengar efter sig men det är ändå stöld….är det inte?).
Samtidigt har fyra ungdomar bokat in sig för ett besök på Escape Room. Dom vill göra något speciellt tillsammans och speciellt it will be. Ett rum fullt av ledtrådar och 55 minuter på sig att lösa gåtan. Varenda sekund räknas. Inga mobiler är tillåtna, det är ljudisolerat och precis som för vårat gäng i Zombielabbet så tar det ett litet tag innan dom acklimatiserar sig till uppgiften. Men sen så…
Det här var riktigt riktigt dåligt. Hade jag haft ett överskott av ruttna tomater och en iver att tokstäda hade jag kastat dessa på TV:n och buat högt, sådär som engelsmän med peruk gör åt varandra i parlamentet. Det finns ingenting med den här filmen som gör den sevärd, ingenting mer än dom sekunder Sean Young är i bild och då får man dödångest för man fattar att om HON är sådär gammal så är JAG rätt till åren kommen själv. Mitt tips blir istället att prova grejen på riktigt istället. Det finns på många ställen och kostar inte skjortan.
Har man bara rätt namn och rätt kompisar så kan man få nästan vad som helst gjort. Se bara på Julie Rudd.
Julie Rudd har varit ihop med sin Paul sedan 1995 och lever ett till synes lyckligt två-barns-mammaliv med honom. Sen skrev hon ett filmmanus om ”tossiga mammor” som tycker mammalivet suger kamelpung, hon slänger in lite ”skön drogromantik” (där maken givetvis hoppar in som ”skön sidekick” i drog-provsmakningsaffär – med judemössa – en roll han ALDRIG tagit i med tång om inte frugans film behövde lite stjärnglans), det vankas lite otrohet-som-det-görs-tydligt-klart-för-att-det-är-100-%-omoraliskt-och-därför-löper-hon-aldrig-linan-ut (det blir bara en puss uschianemej), det skrivs in lite flirt-mellan-äldre-kvinna-och-mycket-yngre-och-samtidigt-så-jätteful-kille-att-ingen-seende-människa-tror-på-personkemin och samtidigt, mitt i all denna bröte av obegripbar ”mammahumor” är två fäder bifigurer (Adam Scott spelar den ena och ja, vadfan ska han göra när både han och frugan Naomi Scott producerat denna skithög till film, han får väl ställa upp, liksom) och båda är så satans SLUT som människor att jag tvivlar på att dom ens med hink och spade har kunnat skyffla in spermier i mufflan på någon alls som frambringat puls.
Obeskrivligt andefattigt försök att ta rygg på jätteroliga Bad Moms. Den här filmen är BARA pinsam, tröttsam och svintråkig.
Peter Greenaway är en av dom ”stora”, ”kända” filmskaparna som fått procentuellt sett väldigt lite uppmärksamhet på min blogg. Jag har skrivit om kroppar-och-kalligrafi-filmen The Pillow Book (med en naken Ewan McGregor) men that´s it. Givetvis såg jag Kocken, tjuven, hans fru & hennes älskare när den kom i slutet på 80-talet men då var jag betydligt mer av en kulturtant än nu och omfamnade pretentiösa filmer på ett vis jag aldrig skulle orka med idag.
Peter Greenaway är således en filmskapare jag känner naturligt motstånd mot och vad gör jag då? Tvingar mig på honom såklart. Det ska ju inte bara vara kul och smidigt att ha en blogg, den ska kännas också, det ska kännas, svida, svettas och – ja, faktiskt – drickas Samarin för att klara av det. Det var nämligen EXAKT det jag gjorde tjugo minuter in i den här filmen, jag tog mig ett glas Samarin. Magsyran fullkomligt vällde upp genom magen för det här är INTE en film i min smak, det här är INTE ett filmskapande som är lätt att ta till sig och det här är INTE underhållning på något plan – inte för mig.
Det som lockade mig med Dränkta i nummerordning var två saker: själva storyn OCH det faktum att filmen är från världens bästa filmår 1988. Den handlar om en kvinna som dränker sin man när han inte längre håller måttet och att hennes två döttrar gör detsamma med sina pojkvänner vad det lider.
Det fokuseras på tidvatten, badkar, kackerlackor, nakna kroppar (både kvinnor och män, hey, det är Peter Greenaway vi snackar om här). Det är många människor i bild samtidigt som alla gör olika saker, dvs det är rörigt som fan och detta ihop med mustiga färger, Michael Nymans klassiska fioler, frustande män som slickar på lår och låter som grisar, det är mat, och skägg och mat och hår och mat på tallrik och mat som dekor och det är köttigt och mycket och GE MIG MER SAMARIIIIIIN FÖR HELVETE!!!!!
Min intention att ge mig på fler av Peter Greenaways filmer slutar här och nu. Två recensioner räcker bra. Tack för mig. Hej.
Nu är jag och temat tillbaka hos Takeshi Kitano igen. Denna GIGANT i japansk filmindustri som så många finner mästerlig men som jag av nån anledning märkt att jag har ganska svårt för.
Jag har sett fler än en handfull av hans filmer och hittills har vi inte klickat alls. Skulle Kikujiros sommar bli filmen som fick mig att skriva till Kitanos fanclub?
Han (filmen) var nominerad till bästa regissör på Cannesfestivalen 1999 men han vann inte och föga förvånande chockade den vetskapen inte mig. Nu får jag ta på mig kevlarväst och gaffatejpa igen brevlådan men Kikujiros sommar var nämligen – för mig – aningens svagare än Rasmus på luffen, en film som också spelar i äldre-man-finner-vänskap-i-ung-pojke-och-dom-beger-sig-ut-på-äventyr-tillsammans-och-lär-sig-om-livet-och-dess-kringelikrokar.
Filmens unga pojke heter Masao (Yusuke Sekiguchi), är nio år och bor hos sin mormor. Han ger sig ut för att leta rätt på sin mamma och en av mormoderns vänner ska försöka hjälpa honom. Vännen heter Kikujiro (Kitano) och han har väl inte riktigt koll på livet. Han är 40 plus, halvkriminell och känns inte helt stabil även om han är kreativ och ”rolig” i vissa scener.
I min värld borde filmen ha hetat Masaos sommar, men det kanske är att kränka Kitano för mycket. Klart han vill spela första fiol i sin egen film. Tänker jag tanken ett varv till och försöker analysera filmen objektivt så kanske Kikujiro och Masao egentligen är exakt samma person. Det kanske är en dröm alltihop? Hela berättelsen? Hela filmen?
Vissa scener är lite charmiga, bland annat en scen där några andra inblandade dansar med löv som täcker det allra heligaste och Masao skrattar sådär hjärtligt att det känns som att han inte skådespelar. Det är en fin scen. För övrigt imponerades jag föga av den här filmen som med sin speltid på två timmar kändes som fyra. Jag försökte se någon annan skådespelare framför mig istället för Takeshi Kitano och jag tror faktiskt att filmen hade blivit bättre för mig då, den hade växt med en skådis som utstrålar mer värme. Han känns så jäkla….arg…hela tiden och den känslan förminskas inte direkt av språket. Japanska kan låta ohyggligt arg om det pratas av en man som aldrig drar på smilbanden och tar i från tårna. Det är precis som tyska.
Nix pix, det här var inte min kopp thé och nu ska jag nog förpassa Kitanos filmer till långt-ner-i-kanske-inte-måste-se-alls-högen.
Här kan du se vilka övriga filmer jag skrivit om i temat (listan fylls på vartefter). Nästa tisdag kommer allra sista filmen i temat och jag kan avslöja att temat slutar with a bang!
